Through contemporary reinterpretations of Korean Minhwa, I create symbolic worlds that reflect resilience, aspiration, and the evolving nature of human identity.
My work reinterprets Minhwa, the vibrant folk painting tradition of Korea’s Joseon Dynasty (1392–1910), through the lens of contemporary life in New York City. Working with traditional materials such as pigment and ink on hanji or linen, I explore how inherited visual symbols can be transformed into a contemporary language that reflects personal experience, cultural memory, and shared human values.
Historically, Minhwa functioned as a visual language of hope and resilience for ordinary people. Created during periods of hardship and uncertainty, these paintings transformed collective anxieties into images of humor, protection, and aspiration. I am deeply drawn to this spirit of endurance. In my practice, traditional motifs become a framework through which I reflect on how we navigate responsibility, longing, identity, and transformation in everyday life.
My work unfolds through several interconnected symbolic series, each representing a different dimension of the self.
The Munjado (ideograph) series reflects the social self—the reality of living within responsibility, expectation, and inner struggle. Reimagining traditional Confucian virtue paintings, I incorporate contemporary symbols such as diamonds, ouroboros, and crowns of thorns. The diamond, formed under immense pressure, becomes a central motif representing the crystallization of a good heart: resilience forged through hardship that reflects light outward and shares positive energy with others. Within this series, traces of shedding appear as subtle residues—remnants of transformation that mark personal growth, vulnerability, and renewal.
In contrast, the Chaekgeori (bookshelf) series envisions an ideal self. While traditional Chaekgeori paintings celebrated scholarship and intellectual aspiration, my shelves hold objects of personal meaning—teacups, jewelry boxes, and everyday treasures. These objects reflect both personal longing and the aspirational images of happiness that society often celebrates. Within these still-life spaces, memory, desire, and imagination quietly coexist.
The Tiger series, inspired by the traditional Hojakdo (tiger and magpie), connects my work to cultural roots. In Korean folk painting, the tiger symbolizes protection and moral strength, while the magpie brings auspicious news. Reimagined within contemporary contexts, my tigers appear alongside diamonds and precious stones, embodying resilience, protection, and inner value forged through endurance.
Animals—including the Twelve Zodiac Guardians—appear throughout my work as reflections of the collective self. Each animal embodies a different temperament and personality, representing the many ways individuals navigate the challenges and transformations of life.
Across these interconnected series—Munjado, Chaekgeori, Tiger and Magpie, and the Twelve Guardians—my work explores four dimensions of identity: the social self, the ideal self, the cultural self, and the collective self. Through these symbolic systems, I examine how tradition, aspiration, and lived experience intersect.
At the heart of my practice lies the belief that happiness is not something we discover elsewhere but something we cultivate within everyday life. Just as a snake sheds its skin, identity continually transforms through struggle, reflection, and growth. My work reflects this ongoing process—transforming traditional imagery into a contemporary visual language that affirms resilience, renewal, and the enduring light of the human spirit.작품설명
Stephanie S. Lee (김소연) 작가는 한국 전통 민화의 상징성과 대칭미, 장식적 아름다움을 바탕으로, 과거와 현재를 잇는 작업을 이어가고 있습니다.
전쟁과 가난 속에서도 밝은 그림을 통해 희망과 행복을 나누었던 선조들의 민화 정신에 깊이 감동한 작가는, 전통 민화를 현대적 삶과 연결함으로써 단절된 문화적 뿌리를 회복하고자 합니다. 나아가, 시대를 초월한 인간의 보편적 열망인 '행복의 추구'와 그 너머에 있는 철학적 의미를 탐구합니다.
작품 속 현대적 사물들은 인간의 욕망을 드러내지만, 물질주의를 비판하기보다는 그 이면에 담긴 선한 의지와 본질을 이해하는 매개체로 기능합니다. 작가는 한국적 정서와 뉴욕에서의 삶을 바탕으로, 전통과 현대, 동양과 서양, 과거와 현재를 아우르며 그 안에서 순환, 조화, 공존의 의미를 발견합니다.
극한의 열과 압력을 견뎌 더 단단하고 찬란해지는 다이아몬드는 인간 내면의 선한 의지와 회복력을 상징합니다. 이는 민화 속 긍정과 희망의 정신과 닮아 있으며, 작가의 작업이 궁극적으로 의미와 가치를 지니길 바라는 염원을 담고 있습니다.
선조들이 그림을 통해 소망과 염원을 나누었듯, 작가 역시 일상 가까이에서 긍정의 에너지를 전하고자 합니다.
"저의 작업은 전통 민화를 현대적 시각으로 재해석하며, 행복과 회복력, 그리고 문화적 정체성이라는 주제를 탐구합니다. 전통 안료와 먹, 아교를 사용해 전통적인 상징과 현대적 오브제를 함께 담아 과거와 현재의 연결을 시도합니다.
‘문자도’ 연작에서는 유교적 덕목을 현대 여성의 삶과 연결합니다. 더욱 단단하고 아름답게 변하는 다이아몬드와, 반복되는 고통 속에서 다시 태어나는 우로보로스(Ouroboros), 그리고 고난의 상징인 가시관 등을 통해 제 개인의 여정을 표현함과 동시에, 동시대 여성들이 겪는 변화와 회복의 과정을 함께 이야기합니다.
‘책거리’ 연작은 제가 이상적으로 그리는 행복의 장면들을 담고 있습니다. 찻잔과 식기는 저에게 따뜻함과 평온, 그리고 소중한 이들과 나누는 풍요로운 시간을 상징합니다. 아름다운 식기는 일상에서 가까이 즐길 수 있는 예술이자, 예술과 문화를 소중히 여기는 이들과 나누는 따뜻한 순간을 환기시킵니다.
작품 속 까치, 호랑이, 용, 그리고 12지신 동물들은 한국 전통의 상징에서 출발해 뉴욕에서의 제 삶을 통해 새롭게 해석된 존재들입니다. 이들은 매일을 용기 있게 살아가는 우리 모두의 모습을 대변하며, 다문화적 삶과 한국적 뿌리의 교차점을 담아냅니다.
결국, 제 작업은 ‘그럼에도 불구하고’ 행복을 찾아가는 조용한 여정이자, 자아를 마주하는 삶의 기록입니다. 행복은 멀리 있는 것이 아니라, 자신의 삶과 이야기를 온전히 받아들이고 그 안에서 스스로 길러내는 자족의 상태임을 말하고자 합니다."
